La maison à colombages.

Je vous propose une série d’illustrations pour remplir un carnet avec de petites aquarelles parmi lesquelles vous irez piocher en cas de panne d’inspiration.

Voir le tuto.

D’autre maisons à dessiner et peindre :ICI.

VOICI LA TRANSCRIPTION DE CETTE VIDÉO :

1. Conception du croquis et structure modulaire

L’exercice repose sur l’assemblage de modules (toits, fenêtres, colombages) inspirés de l’ouvrage « Apprendre à dessiner des maisons imaginaires ». On commence par tracer un axe central pour assurer la symétrie de la bâtisse de style alsacien. Le dessin se construit par étapes : le toit à double pente, les murs, puis les poutres transversales. Pour une répartition harmonieuse des colombages, l’astuce consiste à placer d’abord la poutre centrale, puis celles des extrémités, et enfin de combler les espaces vides de manière équilibrée.

2. Encrage, textures et sélection chromatique

Une fois le dessin au crayon finalisé, l’ensemble est repassé au feutre à encre indélébile (type Micron 01). On ajoute ensuite de la texture au bois avec des petits traits et des points pour simuler les veines des poutres. Le choix des couleurs est crucial pour le réalisme :

• Fenêtres : dégradé de Jaune Hanza, Orange et Rouge anglais.
• Bois : Quinacridone Gold (pour son aspect doré magique) et Sépia.
• Murs : Teinte « Dune » (ou gris beige) et Vert olive pour le relief.
• Toit : Rouge cadmium clair.

3. La technique « Lu-cho-mou-cou » et les fenêtres

Avant de peindre, on applique la méthode Lu-cho-mou-cou : on décide de l’origine de la lumière (Lu), on choisit et ordonne ses pigments (Cho), on mouille la séquence (Mou) et on applique la couleur (Cou). Pour les fenêtres allumées, on crée un point lumineux central avec le jaune, entouré d’orange, puis de rouge anglais dans les coins. Ce contraste renforce l’impression de chaleur intérieure. Le bois est peint sur support sec avec le Quinacridone Gold, dont l’intensité augmente avec le nombre de couches.

4. Mise en relief des murs et des colombages

Le mur du bas est travaillé dans l’humide avec la teinte Dune, agrémentée de touches de Vert olive pour éviter un rendu trop plat. L’aspect « en saillie » (relief) des éléments est rendu par les ombres portées :

• Le toit projette une ombre grise sur le mur blanc.
• Le sépia est utilisé pour marquer l’ombre des poutres sur le bois.
• Attention particulière : Pour la porte, qui est un renfoncement, l’ombre se place en haut et à droite (à l’inverse des éléments qui ressortent).

5. Détails finaux et personnalisation

La touche finale consiste à donner de la vie au verre des fenêtres en utilisant le stylo à encre pour dessiner les petits carreaux, tout en laissant des liserés blancs pour simuler le reflet de la lumière. Enfin, on peint l’ombre portée de la maison sur le sol (à gauche, puisque la lumière vient de la droite). Une fois cette base maîtrisée, l’illustration peut être enrichie à l’infini avec des jardins, des arbres ou des pots de fleurs sur les rebords de fenêtres.

Graminées d’automne

Je vous propose une série d’illustrations pour remplir un carnet avec de petites aquarelles parmi lesquelles vous irez piocher en cas de panne d’inspiration.

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Voici une suggestion pour apprendre à travailler l’eau : ICI.

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1. Introduction et palette de couleurs.

Bienvenue dans notre bibliothèque d’inspiration en aquarelle pour le tuto numéro 29. L’objectif est de réaliser un coucher de soleil simple, idéal pour un exercice de débutant, en contrastant un fond très clair avec des herbes foncées. Nous utiliserons cinq couleurs, posées du plus clair au plus foncé : le Jaune Hanza (jaune clair), le Jaune Profond (orange clair), le uinacridone Gold, le Sépia (marron foncé) et l’Indigo (gris foncé) pour les herbes.

2. Préparation du papier et technique du lu-cho-mou-cou.

Pour le soleil, nous utiliserons une pièce de 20 centimes fixée avec de la pâte à fixe pour créer une réserve de blanc. La technique du lu-cho-mou-cou est là pour vous rassurer en préparant vos couleurs dans l’ordre qu’il faut.

3. Application des couleurs du coucher de soleil

Nous mouillerons toute la feuille généreusement, en maintenant la pièce pour le soleil. Nous appliquerons ensuite le Jaune Hanza sur toute la surface. Puis, nous superposerons le Jaune Profond jusqu’à la moitié, le Quinacridone Gold sur le quart supérieur et un peu en bas, et enfin le Sépia et l’Indigo sur la partie inférieure. L’idée est de tirer les couleurs vers le bas et de créer des « herbes floues » dans le mouillé. Le fait d’utiliser un pinceau plus dense sur le bas donnera une intensité plus forte, accentuant l’effet de premier plan.

4. Création des graminées nettes au premier plan

Après avoir retiré la pièce et laissé l’aquarelle sécher complètement (environ 15 minutes), nous allons peindre les graminées nettes. En utilisant le petit pinceau Escoda Perla et l’Indigo, nous tirerons des tiges fines et ajouterons des feuilles avec le geste « appuyer et tirer » (pichenette) pour varier la forme. Les graminées ne doivent pas être toutes de la même taille pour éviter un aspect ennuyeux.

5. Profondeur et plans dans l’herbe

Pour donner de la profondeur, nous allons créer différents plans d’herbes. Les herbes floues et très foncées dans le mouillé représentent l’arrière-plan. Les herbes peintes à l’Indigo intense représentent le premier plan. Enfin, nous allons ajouter des herbes plus hautes avec de moins en moins de pigment, en remouillant simplement le pinceau. Ces herbes plus claires et légères donneront l’illusion d’un second plan, créant ainsi trois niveaux de profondeur distincts.

Le chemin vers la mer.

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Voici une suggestion pour apprendre à travailler l’eau : ICI.

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1. Introduction et Préparation du Croquis

Dans ce 28ème tutoriel, nous allons créer une scène de bord de mer pour pratiquer le travail des ombres portées. Pour cela, nous allons dessiner une ligne d’horizon bien droite, ainsi qu’une ligne de démarcation entre le sable et la mer. Le dessin des poteaux sera fera ultérieurement, directement à la peinture.

2. Choix des couleurs

Pour cette aquarelle, nous utiliserons plusieurs couleurs pour représenter les différents éléments du paysage. Pour le sable, nous aurons un jaune White Nights (211) et un jaune de Naples (209). Pour le ciel et la mer, un bleu du ciel (512), un cobalt turquoise (531) et un bleu azuré (519). Les ombres seront réalisées avec un violet rose (608), et les herbes avec un vert de mai et un brume de chrome cobalt (563). Un pinceau Léonard Aquarellys (pour mouiller), un Léonard numéro 4 (pour les premières couches) et un Escoda Perla numéro 0 (pour les détails) seront utilisés.

3. Mise en couleur du ciel et du sable

Nous commencerons par mouiller la zone du sable, puis appliquerons le jaune en laissant une tache blanche pour la lumière. Nous ajouterons le jaune de Naples pour créer une ombre légère sur la dune. Ensuite, nous mouillerons le ciel et appliquerons le bleu du ciel, en y ajoutant des touches de violet rose pour donner du mouvement.

4. Création de la mer et des poteaux

Pour la mer, nous utiliserons le cobalt turquoise et le bleu azuré. Nous peindrons en laissant des espaces blancs au début, puis de moins en moins de blancs au fur et à mesure que l’on s’éloigne vers la ligne d’horizon, que l’on foncera. Les poteaux seront peints directement à l’aquarelle en utilisant du sépia. Ils seront plus grands et plus proches au premier plan et plus petits et plus serrés en arrière-plan.

5. Ajout des ombres et des détails

Nous ajouterons les ombres portées des poteaux avec le violet rose, en les faisant descendre sur la dune. Les poteaux seront renforcés avec du sépia pour leur donner plus d’intensité et d’ombre propre. Pour finir, nous créerons des herbes fines au pied de chaque poteau en utilisant le vert clair et le vert foncé, en leur ajoutant des ombres portées au violet rose pour un effet réaliste.

Cascade hyper simple (et même que je vous ai fais un rocher qui ressemble à un Kinder Surprise).

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Voici la transcription de cette vidéo :

1. Introduction et esquisse des rochers

Bienvenue dans la bibliothèque d’inspiration en aquarelle pour ce 27ème tutoriel. Aujourd’hui, nous allons créer un effet d’eau en cascade sans utiliser de drawing gum. Ce petit exercice est parfait pour les débutants. Nous commencerons par un dessin minimaliste, en traçant simplement deux rochers sur une chute de papier. Le premier sera un ovale avec des traits sur le bas pour la structure, et le second, un peu plus large, sera également un ovale avec des traits similaires.

2. Matériel et palette de couleurs

Pour ce projet, nous utiliserons deux pinceaux fins : un Léonard numéro 4 et un Escoda Perla numéro 0. Les couleurs seront réparties en deux palettes. Pour les rochers, nous aurons un rocher gris (gris de titane et indigo) et un rocher marron (jaune de cadmium citron, ocre brun et sépia). Pour l’herbe et l’eau, nous utiliserons des verts (vert anglais clair, vert foncé) et des bleus de chez White Nights (bleu du ciel, bleu 515), ainsi que le sépia et le gris foncé.

3. Peinture des rochers et des herbes

Nous commencerons par peindre les rochers, en mouillant chaque surface avant d’appliquer les couleurs. Le rocher gris aura une tache blanche sur le dessus pour la lumière et des ombres sur le bas. Le rocher marron aura une tache de lumière sur la droite et des ombres sur la gauche et en bas. Pour les herbes, nous utiliserons les verts, le bleu foncé et le sépia pour créer des brins de différentes tailles et intensités, en insistant sur la légèreté et la variation.

4. Création de la cascade et de l’eau

Pour l’eau à plat sous le premier rocher, nous utiliserons les deux bleus, en laissant des espaces blancs et en tirant des traits pour amorcer la cascade. Nous ajouterons des traits verticaux et des points pour simuler le mouvement de l’eau qui coule. Pour l’eau qui gicle en bas, nous utiliserons le bleu foncé pour créer de petites spirales et des vagues. L’objectif est de jouer avec les traits fins et les points pour donner un sentiment de mouvement et de légèreté.

5. Touches finales et variations créatives

Une fois l’aquarelle sèche, vous pouvez affiner la structure des rochers avec des petits traits et des points pour éviter un aspect trop uni. Vous pouvez également ajouter des herbes avec le sépia pour créer encore plus de contraste. Ce tutoriel est une base pour explorer différentes variations, comme une cascade d’automne avec des herbes sèches ou des couleurs d’eau différentes. L’aquarelle est un médium illimité, et ce petit exercice vous encourage à lâcher prise et à expérimenter.

ENSEIGNER EST UN ÉCHANGE

Merci à vous pour toutes vos créations, vos inventions d’architecture, vos mises en couleurs. Vous êtes des créateurs de liberté.

Mais ça veut dire quoi, créer sa liberté ? C’est inventer son monde en se désintoxiquant des diktats. Ceci influence votre santé mentale, et comme le mental impacte le corps, ceci influence aussi votre santé physique.

Vous vous faites du bien et vous me faites du bien.

MERCI.

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Feuillage de forêt hyper simple.

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Voici une suggestion pour une ambiance de forêt d’automne : ICI.

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1. Introduction

L’objectif ici est de créer un feuillage volumineux avec différentes nuances de couleurs et des jeux d’ombre et de lumière. Pour cela, nous dessinerons des séquences individuelles de feuillage, y compris derrière les branches.

2. Encrage et palette de couleurs

Une fois l’esquisse au crayon terminée, vous pouvez repasser l’ensemble à l’encre indélébile (pointe 0.1), en commençant par les arbres. N’hésitez pas à ajouter des détails de texture pour l’écorce et des petites bosses irrégulières dans le feuillage. Pour les couleurs, nous utiliserons un jaune de cadmium citron, des verts (vert anglais clair, terre verte, vert foncé), des marrons (ocre d’or, brume orange, sépia) et de l’indigo comme gris foncé. Ces couleurs permettront de créer des variations et du mouvement dans le feuillage.

3. Peinture du feuillage : technique et intensité

Nous utiliserons quatre pinceaux de différentes densités pour mouiller les séquences et appliquer les couleurs. La lumière viendra du haut à droite, donc les ombres seront principalement sur la gauche et en bas de chaque segment. Pour chaque séquence de feuillage, nous mouillerons la zone puis appliquerons le jaune, le vert clair, le terre verte et le brume orange (comme touche de couleur inattendue pour donner du mouvement) en laissant des taches claires pour la lumière. Nous insisterons sur le vert foncé sur le bas de chaque séquence pour créer de la profondeur.

3. Peinture des troncs et des branches

Pour les troncs et les branches, nous utiliserons l’ocre d’or et le sépia, avec potentiellement une touche de gris pour les ombres portées du feuillage. Nous mouillerons les branches et appliquerons l’ocre d’or. L’ombre propre des branches sera travaillée avec le sépia et le gris sur les zones d’ombre. L’objectif est de renforcer l’ombre d’un côté pour accentuer la lumière de l’autre.

5. Ajout des herbes et touches finales

Pour finir le paysage, nous ajouterons des herbes fines à l’aide d’un pinceau très fin (Escoda Perla numéro 0) et du gris. Vous pouvez varier la hauteur et la direction des herbes pour éviter un aspect trop rigide, et même n’utiliser que de l’eau sur le pinceau pour créer des herbes en arrière-plan. Quelques touches avec plus de pigment en premier plan donneront du contraste. Une fois sèche, l’aquarelle pourra être collée dans votre carnet d’inspiration.aliser l’illustration.

Silhouette au parapluie

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Vous aimez la pluie ? Alors voici Pernelle et la pluie ICI.

Voici la transcription de cette vidéo :

1. Introduction et esquisse du parapluie

Cette illustration est parfaite pour les débutants souhaitant gagner en confiance. Nous commencerons par dessiner un parapluie : tracez un axe central, un dôme vers le bas, puis quatre petits ponts pour les baleines. N’oubliez pas le petit bouton central, légèrement en dessous de la ligne du dôme, et les baleines arrière bombées pour un rendu plus esthétique.

2. Positionnement de la silhouette

Après avoir défini la taille du personnage, nous prendrons garde à ce que la jambe droite touche le sol tandis que la gauche sera légèrement levée pour suggérer le mouvement de la marche. Pour les bras, le coude sera au niveau de la taille, et le bout des doigts arrivera au milieu de la cuisse. Une fois l’esquisse au crayon prête, nous repasserons uniquement le parapluie à l’encre indélébile (pointe 0.1).

3. Palette de couleurs et peinture de la silhouette

Pour cette illustration, nous utiliserons seulement quatre couleurs : un rouge clair (Vermillon 312) et un rouge foncé (Rouge Bordeaux 325) pour le parapluie, une Terre de Sienne Naturelle (405) pour le bouton central, et un gris (Indigo 46) pour la silhouette. La silhouette sera peinte avec un pinceau Léonard numéro 4. Mouillez le pinceau, puis suivez les contours de la tête, des bras, du bassin et des jambes, en laissant les pigments s’adapter pour un rendu brumeux. Les contours ne seront pas trop nets pour accentuer l’effet de pluie.

4. Ombre et peinture du parapluie

Après avoir gommé l’axe central, nous travaillerons l’ombre portée du personnage au sol. Mouillez le sol en touchant uniquement le pied droit (le gauche étant levé), puis appliquez le gris pour créer une ombre irrégulière. Ensuite, nous peindrons le parapluie avec les deux rouges, La lumière venant du haut à droite, nous laisserons une tache blanche sur la droite du parapluie pour donner du volume, puis appliquerons le rouge foncé pour l’ombre. Une touche légère de gris peut renforcer l’ombre du bouton.

5. Défi créatif et touche finale

Pour un défi supplémentaire, essayez de créer cinq personnages avec des parapluies de formes et d’inclinaisons différentes, chacun avec son ombre portée. Enfin, n’oubliez pas d’ajouter la pluie avec de petits traits à l’encre indélébile pour finaliser l’illustration.

Zosio d’amour n°3

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Vous aimez le rose ? Alors voici un dahlia ICI.

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1. Introduction et croquis du troisième oiseau

Dans ce nouvel atelier d’aquarelle, nous allons peindre le troisième et dernier oiseau d’amour, cette fois-ci vu de dos. Ce tutoriel reste adapté aux débutants. Nous commencerons par esquisser la forme de l’oiseau, en repérant un axe pour la symétrie au centre de la feuille et en traçant une branche. La tête sera inclinée et le corps ovale, avec une partie du bec. Les ailes se rejoindront au niveau de l’axe central.

2. Mise en encre et préparation des couleurs

Nous passerons à la mise en encre avec un stylo indélébile pour définir les contours de l’oiseau, des ailes, des plumes et de la branche. Pour la mise en couleur, nous utiliserons une palette de roses et de mauves (rose corail, quinacridone magenta, mauve permanent) ainsi que deux gris (clair et foncé) pour le bec. La branche sera peinte avec des tons de quinacridone gold et de châtaigne.

3. Mise en Couleur du corps et des ailes

Nous commencerons par mouiller différentes sections du corps et des ailes, en appliquant les roses et les mauves selon la technique du LU-CHO-MOU-COU (technique qui indique dans quel ordre faire les choses pour ne pas se tromper). Nous créerons des zones de lumière en laissant des taches blanches et ajouterons des ombres avec des tons plus foncés pour donner du volume à l’oiseau. La lumière venant du haut à droite influencera le placement des ombres sur la gauche et en bas de chaque segment.

4. Peinture des plumes et du bec

Les plumes seront peintes individuellement, en utilisant les mêmes tons de rose et de mauve pour créer un ensemble harmonieux. Le bec sera peint avec les deux gris, en créant une zone de lumière sur le dessus et en utilisant le gris foncé pour l’ombre portée de la tête et l’ombre propre du bec.

5. Branche et conclusion

La branche sera peinte avec le quinacridone gold, puis ombrée avec le châtaigne sur le dessous et pour créer du relief. L’ombre portée du corps de l’oiseau sera également ajoutée sur la branche. Ce dernier oiseau d’amour complétera notre série et offrira une nouvelle source d’inspiration pour les débutants en aquarelle.

Zosio d’amour n°2

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Un tuto pour réaliser un paysage marron ou mauve ? C’est par ICI.

Voici la transcription de cette vidéo :

1. Le croquis

Dans cet atelier d’aquarelle, nous allons peindre un deuxième oiseau d’amour, différent du premier par sa posture et ses couleurs. Nous commencerons par réaliser un croquis simple, en nous basant sur un axe central et en ajustant la position de la tête pour lui donner une expression de dédain. Les ailes et les pattes seront esquissées de manière similaire au premier oiseau.

2. Mise en encre et préparation des couleurs

Nous passerons à la mise en encre avec un stylo à encre indélébile pour définir les contours. Pour la mise en couleur, nous explorerons une palette de tons verdâtres et bleus, en utilisant un jaune citron, deux verts (un bleuté et un foncé), un bleu clair et deux gris (un clair et un foncé).

3. Mise en couleur du corps et de la tête

Nous commencerons par mouiller le corps de l’oiseau et appliquerons une base de jaune, en laissant une zone de lumière sur le ventre. Nous superposerons ensuite des tons de bleu clair et de vert bleuté pour créer des nuances verdâtres. Des ombres seront ajoutées avec le vert foncé, en tenant compte d’une source de lumière venant du haut à droite. La tête sera traitée de manière similaire, en insistant sur l’œil fermé pour l’expression.

4. Peinture des ailes, des plumes et du bec

Les ailes seront peintes en utilisant les mêmes tons de jaune, de bleu et de vert, en variant l’intensité pour suggérer la lumière et l’ombre. Les plumes seront travaillées individuellement, en commençant par une base de bleu clair ou de jaune puis en ajoutant des ombres avec du vert bleuté et du vert foncé. Le bec sera peint avec les deux gris en créant une zone de lumière sur le dessus et des ombres sur les côtés et en dessous.

5. Branche et pattes

La branche sera peinte avec le quinacridone gold et ombrée avec le châtaigne, en tenant compte de la lumière venant du dessus. Les pattes seront peintes en gris clair, avec une ombre ajoutée sur le côté gauche pour suggérer le volume. Une fois toutes les parties peintes et sèches, notre deuxième oiseau d’amour sera prêt à rejoindre notre collection d’aquarelles.

Zosio d’amour n°1

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Un tuto pour réaliser un paysage bleu ou vert ? C’est par ICI.

Voici la transcription de cette vidéo :

1. Le croquis

Le premier pas est de tracer un axe de symétrie pour l’oiseau. Des cercles et des lignes courbes nous aideront à esquisser la tête, le corps et les ailes.

2. Mise en encre

Nous affinerons ensuite le dessin en ajoutant les détails comme les yeux, le bec, les plumes ainsi que les pattes. Nous passerons à la mise en encre avec un feutre pointe fine pour définir les contours.

3. Préparation des Couleurs et Matériel

Pour la mise en couleur, nous utiliserons une palette de cinq couleurs : le quinacridone old, un marron châtaigne, un marron sépia, un gris clair (gris de titane) et un gris foncé (indigo). Nous travaillerons avec trois pinceaux de tailles différentes pour mouiller les surfaces et appliquer les couleurs avec plus ou moins de précision.

4. Mise en couleur du corps et des ailes

Nous commencerons par mouiller le corps entier de l’oiseau et appliquerons une première couche de quinacridone gold, en laissant une tache blanche sur le ventre pour la lumière. Ensuite, avec un pinceau plus fin, nous intensifierons la couleur et ajouterons des ombres avec le châtaigne et le sépia, en tenant compte d’une source de lumière venant du haut à droite. Nous peindrons les ailes en utilisant des techniques similaires, en variant l’intensité des couleurs pour suggérer le volume.

5. Finitions

Nous terminerons en peignant le bec, les yeux et les pattes avec les gris clairs et foncés, en ajoutant de petites ombres pour leur donner du relief. La branche sera peinte avec les mêmes tons de marron que l’oiseau, en y ajoutant également des ombres. Une fois l’oiseau terminé, il sera prêt à rejoindre notre carnet d’inspiration.